Σε αυτό το άρθρο σας παρουσιάζουμε όλες τις σχετικές πληροφορίες σχετικά με το Χαρακτηριστικά βαφής, θα σας πούμε για όλη τη σημασία που είχε η ζωγραφική στην ιστορία του κόσμου, γιατί άφησε πολλά σημάδια και πολλές ιστορίες, γι' αυτό όταν παρατηρείτε έναν πολύτιμο πίνακα, πρέπει να σκεφτείτε τα διαφορετικά χαρακτηριστικά της ζωγραφικής. το παρόν άρθρο που θα σας αρέσει!
Χαρακτηριστικά βαφής
Η τέχνη της αναπαράστασης γραφικών μέσω της χρήσης χρωστικών αναμεμειγμένων με διαφορετικές συνθετικές ή οργανικές συνδετικές ουσίες είναι αυτό που ξέρουμε ως ζωγραφική. Για να χρησιμοποιήσετε την τέχνη της ζωγραφικής, πρέπει να έχετε πολλές γνώσεις σχετικά με τη θεωρία των χρωμάτων και την εικαστική σύνθεση. καθώς και διαφορετικά χαρακτηριστικά του χρώματος που θα χρησιμοποιηθεί.
Για να μπορέσετε να πραγματοποιήσετε την τέχνη της ζωγραφικής και του σχεδίου, η πρακτική της ζωγραφικής πρέπει να εκτελείται συνεχώς και αυτή συνίσταται στην αξιοποίηση μιας συγκεκριμένης επιφάνειας όπως ένα φύλλο χαρτιού, ένας καμβάς, ένα κομμάτι ύφασμα, ένα κομμάτι ξύλο, τοίχος, στον οποίο πρόκειται να ζωγραφιστεί, χρησιμοποιώντας μια συγκεκριμένη τεχνική για να αποκτήσετε μια σύνθεση χρωμάτων, σχημάτων, σχεδίων, υφών μεταξύ άλλων, δίνοντας έτσι το σχέδιο ενός έργου τέχνης που πληροί ορισμένες αισθητικές αρχές.
Με αυτόν τον τρόπο, τον XNUMXο αιώνα, ο γαλλικής καταγωγής αρχιτέκτονας και θεωρητικός André Félibien ήρθε να επιβεβαιώσει σε μια από τις διαλέξεις του στη Γαλλική Ακαδημία σχετικά με την ιεραρχία των ειδών που υπάρχουν στην κλασική ζωγραφική, τα οποία είναι «Η ιστορία, το πορτρέτο, το τοπίο, οι θάλασσες, τα λουλούδια και τα φρούτα»
Στις Καλές Τέχνες, η ζωγραφική είναι μια από τις αρχαιότερες καλλιτεχνικές εκφράσεις που υπάρχουν από τις επτά που υπάρχουν, στην επιστήμη της θεωρίας της τέχνης και στην αισθητική, η ζωγραφική έχει θεωρηθεί ως η παγκόσμια κατηγορία και περιλαμβάνει με τη σειρά της όλες τις καλλιτεχνικές δημιουργίες που γίνονται σε επιφάνειες. . Μία από τις κατηγορίες που χρησιμοποιούνται στα διαφορετικά χαρακτηριστικά της ζωγραφικής είναι ο τύπος στήριξης που χρησιμοποιείται ή το χρησιμοποιούμενο υλικό και επί του παρόντος τα στηρίγματα ή οι διαφορετικές ψηφιακές τεχνικές.
Είναι σημαντικό να σημειωθεί ότι στην ιστορία της ζωγραφικής κυριαρχούσε για ένα διάστημα η θρησκεία ή η θρησκευτική τέχνη. Υπάρχουν πολλά παραδείγματα αυτού του τύπου ζωγραφικής, που κυμαίνονται από έργα που έχουν ζωγραφιστεί δίνοντας έμφαση σε μυθολογικά και θρησκευτικά πρόσωπα, έως σκηνές που περιγράφονται στη Βίβλο, όπως η οροφή της Καπέλα Σιξτίνα που βρίσκεται στην πόλη του Βατικανού της Ρώμης. Ακόμη και οι ίδιες ζωγραφισμένες σκηνές από τη ζωή του Βούδα, καθώς και διάφορες ζωγραφισμένες εικόνες που απηχούν το ανατολίτικο θρησκευτικό θέμα.
Ορισμός της ζωγραφικής
Για να ορίσουμε τη ζωγραφική και για να μιλήσουμε για τα κύρια χαρακτηριστικά της ζωγραφικής, μπορούμε να πούμε ότι είναι μια γραφική αναπαράσταση που χρησιμοποιεί μια σειρά από χρωστικές ουσίες συνδυασμένες με άλλες ουσίες, οργανικές ή συνθετικές, για να πραγματοποιήσει μια καλλιτεχνική έκφραση. Αλλά είναι γνωστό ότι η τέχνη της ζωγραφικής είναι λίγο περίπλοκη, αφού απαιτεί πολλές τεχνικές και μεθόδους ζωγραφικής, καθώς και το σχέδιο και την εικαστική σύνθεση του καλλιτέχνη και το πώς χρησιμοποιεί τη θεωρία των χρωμάτων.
Χρησιμοποιώντας αυτές τις τεχνικές ο ζωγράφος μπορεί να χρησιμοποιήσει τις μεθόδους τοιχογραφίας ή τη μέθοδο ελαιογραφίας. Όμως ο πίνακας μπορεί να πληροί διάφορα θεματικά κριτήρια, καθώς και τα διαφορετικά χαρακτηριστικά της ιστορικής ζωγραφικής ή των διαφορετικών ειδών που αναφέρθηκαν παραπάνω.
Θα βρείτε επίσης τα διαφορετικά στυλ ζωγραφικής όπως η προϊστορική και η γοτθική ζωγραφική και σε οποιαδήποτε περίοδο ζωγραφικής στην οποία γίνεται αναφορά. Αλλά οι πίνακες είναι έργα τέχνης, όπως λέει ο Ernst Hans Josef Gombrich, ο αυστριακής καταγωγής Βρετανός ιστορικός τέχνης:
«Δεν υπάρχει τίποτα κακό να απολαύσουμε τον εαυτό μας με μια ζωγραφική τοπίων επειδή μας θυμίζει το σπίτι μας ή σε ένα πορτρέτο επειδή μας θυμίζει έναν φίλο, αφού ως άντρες που είμαστε, όταν κοιτάμε ένα έργο τέχνης υποβαλλόμαστε η ανάμνηση ενός πλήθους πραγμάτων που καλώς ή κακώς επηρεάζουν τα γούστα μας.
Gombrich, History of Art (2002)»
Με τον ίδιο τρόπο ο Άρνολντ Χάουζερ, ιστορικός τέχνης ουγγρικής καταγωγής, αφού μελέτησε όλη του τη ζωή μεταξύ Γερμανίας και Ιταλίας, ορίζει την έννοια της ζωγραφικής δηλώνοντας τα εξής:
«Τους ερμηνεύουμε (τους πίνακες) σύμφωνα με τους δικούς μας σκοπούς και φιλοδοξίες, τους μεταφέρουμε ένα νόημα, του οποίου η προέλευση βρίσκεται στον τρόπο ζωής και τις νοητικές μας συνήθειες».
Ο γερμανικής καταγωγής φιλόσοφος Ernst Bloch, στο βιβλίο του που γράφτηκε το 1918 με τίτλο Το πνεύμα της ουτοπίας, επιδεικνύει την ευφυΐα του για να υπερασπιστεί τη μη-εικονική τέχνη και κάνει μια σχέση με τη σύλληψη του ουτοπικού ανθρώπου, που έχει μια άγνωστη μοίρα, αλλά είναι ασυνείδητα παρών στα βάθη του ανθρώπου και στο βιβλίο του έρχεται να επιβεβαιώσει το εξής:
«Αν το έργο της ζωγραφικής ήταν να βάλουμε τον εαυτό μας μπροστά στα μάτια του αέρα και της πολύτιμης απεραντοσύνης του χώρου και οτιδήποτε άλλο, θα ήταν καλύτερα να πάμε κατευθείαν και να τα απολαύσουμε ελεύθερα όλα αυτά».
Για άλλους ιστορικούς και ιδιαίτερα τον κ. Erwin Panofsky, εξέτασαν το περιεχόμενο πολλών έργων ζωγραφικής μέσω της μορφής και του περιεχομένου που αντιπροσώπευαν, πραγματοποίησαν αρκετές μελέτες προσπαθώντας να κατανοήσουν τι αντιπροσωπεύει ο πίνακας για την κοινωνία και στη συνέχεια το νόημα που είχε η εν λόγω ζωγραφική για την παρατηρητής.και τέλος στοιχεία τη σημασία που είχε η ζωγραφική για τον πολιτισμό και τη θρησκεία.
ιστορία της ζωγραφικής
Σε αυτό το άρθρο, με τίτλο χαρακτηριστικά της ζωγραφικής, θα σας πούμε λίγα λόγια για την ιστορία της ζωγραφικής. Για να έχετε τις απαραίτητες γνώσεις, αφού όταν μιλάμε για ιστορία πρέπει να ανατρέξουμε στην εποχή της προϊστορίας και να φτάσουμε στη σύγχρονη εποχή, που περιλαμβάνει όλες τις αναπαραστάσεις που γίνονται με τις διαφορετικές τεχνικές που χρησιμοποιούνται στη ζωγραφική και το καλλιτεχνικό σχέδιο.
Όλα αυτά συμπίπτουν με την ιστορία της τέχνης στο πολιτιστικό και ιστορικό πλαίσιο, όταν προσπαθούμε να αναλύσουμε την ιστορία της ζωγραφικής πρέπει να επιστρέψουμε στους πίνακες που έγιναν ως τοιχογραφίες στα διάφορα σπήλαια, που βρίσκονται στις περιοχές των Πυρηναίων που ανήκουν στις χώρες της Ισπανίας και της Γαλλίας και μέρος της ακτής της Μεσογείου σε αυτό που ονομαζόταν λεβέντικη τέχνη.
Υπάρχουν και άλλοι πίνακες ζωγραφικής φτιαγμένοι σε άλλα μέρη της Ευρώπης που βρίσκονται λίγο χαμηλότερα, οι οποίοι βρίσκονται στις εξής χώρες: Πορτογαλία, Ιταλία, στο τμήμα της Ανατολικής Ευρώπης και στη Βόρεια Αφρική. Υπάρχουν και άλλοι πολύ σημαντικοί πίνακες στην ιστορία της ζωγραφικής, όπως σπηλαιογραφίες και είναι οι παλαιότεροι γνωστοί στον άνθρωπο.
Στην ιστορία της ζωγραφικής βρίσκεται το σπήλαιο Chauvet που βρίσκεται στη Γαλλία, σύμφωνα με τους ιστορικούς μέσα από τις έρευνες που έγιναν στο εν λόγω σπήλαιο, είναι ηλικίας άνω των 32 χιλιάδων ετών και βρίσκεται στην Aurignacian και Gravettian περίοδο. Τα χαρακτηριστικά της ζωγραφικής που έγινε σε αυτό το σπήλαιο ήταν ότι οι καλλιτέχνες χρησιμοποιούσαν πηλό ώχρας, κόκκινο οξείδιο σιδήρου και μαύρο είναι διοξείδιο του μαγγανίου.
Σε άλλα σπήλαια που επίσης ξεχωρίζουν για διαφορετικούς πίνακες είναι αυτά της Αλταμίρα και του Λασκώ, σε αυτούς τους πίνακες ζωγραφίζονται ρινόκεροι, μαμούθ, λιοντάρια, βουβάλοι, άλογα ή άνθρωποι σε κυνηγετική στάση με αναφορά σε ζώα. Επίσης οι εικόνες που βρίσκονται στους παπύρους και στους διαφορετικούς τοίχους των αιγυπτιακών τάφων που χρονολογούνται από 5 χιλιάδες χρόνια προ Χριστού, είναι σκηνές της καθημερινής ζωής αυτού του πληθυσμού αλλά και της μυθολογίας και των δοξασιών τους.
Θα συμβολίζει επίσης τα χαρακτηριστικά και τα γνωρίσματα αυτής της κοινωνίας χρησιμοποιώντας το μέγεθος των μορφών ως την κατάταξη της κοινωνίας. Όπως και στην Αρχαία Ρώμη, ήταν φυσιολογικό να διακοσμούνται ή να βάφονται οι τοίχοι των σπιτιών και των παλατιών, αυτή τη στιγμή αυτή που βρίσκεται στην καλύτερη κατάσταση διατήρησης είναι η αρχαία πόλη της Πομπηίας και η πόλη του Herculaneum.
Φτάνοντας στην παλαιοχριστιανική εποχή στις κατακόμβες άρχισαν να τις στολίζουν ζωγραφίζοντας σκηνές από την Καινή Διαθήκη και αναπαριστώντας τον Ιησού ως τη μορφή του καλού βοσκού, ζωγράφισαν τις μορφές με μεγάλα μάτια δημιουργώντας την ψευδαίσθηση ότι κοιτούσαν τον θεατή. Αυτό το στυλ έγινε πολύ θαυμασμένο και συνέχισε να γίνεται στη βυζαντινή σχολή που βρίσκεται στην Κωνσταντινούπολη.
Στη συνέχεια, η ρομαντική ζωγραφική αναπτύσσεται μεταξύ του XNUMXου και του δέκατου τρίτου αιώνα, στις πιο ενδιαφέρουσες περιοχές της Ευρώπης που βρίσκονται στη νότια Γαλλία και τις περιοχές της Καταλονίας, αν και οι πίνακες που έγιναν ήταν διαφόρων θρησκευτικών θεμάτων που έγιναν στο ψηλότερο μέρος της εκκλησίας και μεγάλοι τοίχοι για να τους παρατηρούν οι άνθρωποι, μια από τις πιο χρησιμοποιούμενες παραστάσεις ήταν αυτή του παντοκράτορα, που είναι η εικόνα του Ιησού από τη Ναζαρέτ και αυτή της Παναγίας.
Άρχισαν επίσης να φτιάχνουν πίνακες που δείχνουν τη ζωή των αγίων. Στη γοτθική ζωγραφική υπήρχε και θρησκευτική ζωγραφική αλλά αντιπροσώπευε θέματα κοσμικής προέλευσης, αλλά είχε μεγαλύτερη αναλογία στις χώρες της Ιταλίας και της Γαλλίας όπου η πιο σημαντική μορφή ήταν ο ζωγράφος Τζιότο που εργάστηκε ως τοιχογράφος και αρχιτέκτονας Φλωρεντινής καταγωγής.
Στην εποχή της Αναγέννησης, η κλασική ζωγραφική είχε μεγάλο ρόλο στην επιρροή της προόδου της κοινωνίας, εκείνη την εποχή αναπτύχθηκε η γραμμική προοπτική και μελετήθηκε η ανθρώπινη ανατομία χρησιμοποιώντας τη ζωγραφική ως σημείο στήριξης, ένα από τα πιο σημαντικά χαρακτηριστικά της ζωγραφικής. ήταν η χρήση της τεχνικής του λαδιού.
Εκείνη την εποχή υπήρχαν σπουδαίοι ζωγράφοι που αναγνωρίστηκαν για τις γνώσεις τους και τις τεχνικές ζωγραφικής που χρησιμοποιούσαν, από τους πιο εξαιρετικούς ήταν ο Λεονάρντο ντα Βίντσι, ο Μιχαήλ Άγγελος, ο Ραφαήλ Σάντσιο και ο Τιτσιάν. Στα χαρακτηριστικά του πίνακα ξεχωρίζουν στη δουλειά που έκανε ο Λεονάρντο Ντα Βίντσι κατά την κατασκευή Η Μόνα Λίζα, που είναι επίσης γνωστό ως η Μόνα Λίζα, Λοιπόν, χρησιμοποιώ τις μεθόδους chiaroscuro και sfumato.
Ο αρχιτέκτονας και γλύπτης Michelangelo έφτιαξε ένα από τα πιο σημαντικά έργα ζωγραφίζοντας την οροφή της Καπέλα Σιξτίνα, γνωστή ως ένα από τα σπουδαία έργα της Αναγέννησης, επιπλέον πολλοί καλλιτέχνες χρησιμοποίησαν συμβολικά θέματα μεταξύ των οποίων και αυτά από τη Βόρεια Ευρώπη μεταξύ των οποίων περιλαμβάνουν τα αδέρφια Jan van Eyck και Hubert van Eyck. Στη Γερμανία ξεχώρισε ο ζωγράφος και ουμανιστής Dürer.
Ενώ η λεγόμενη αντιμεταρρυθμιστική εκκλησία ή η μεταρρύθμιση της καθολικής εκκλησίας με την οποία ήθελε να αντιμετωπίσει τον προτεσταντισμό, προσπάθησε να κάνει χρήση της θρησκευτικής τέχνης και για να το πετύχει αυτό, χρησιμοποίησε τις τεχνητές συμβάσεις των μανιεριστών, οι οποίοι κυριαρχούσαν στην τέχνη μεταξύ τον XNUMXο και τον XNUMXο αιώνα, αλλά εκείνη την εποχή τα χαρακτηριστικά της ζωγραφικής που χρησιμοποιούσαν ήταν να απορρίπτουν τους κανόνες και την ελευθερία της σύνθεσης σχημάτων και χρωμάτων, αλλά χρησιμοποιήθηκε η καινοτομία των Καραβαγκιστών.
Αυτά έκαναν χρήση ενός ριζοσπαστικού νατουραλισμού, όπου έκαναν χρήση του συνδυασμού της φυσικής παρατήρησης για τη λεπτομέρεια όλων όσων έπρεπε να επισημανθούν και έκαναν τον πίνακα να έχει μια θεατρική και δραματική τέχνη με τη χρήση της τεχνικής chiaroscuro. Λοιπόν, έκανε χρήση της σκιάς και του φωτός, σε αυτή την τέχνη ξεχωρίζουν οι Caravaggio και Annibale Carracci, δύο ζωγράφοι που ήταν σύγχρονοι και πολύ σημαντικοί στη ζωγραφική διαμόρφωση της τέχνης του μπαρόκ.
Ένα από τα πιο σημαντικά χαρακτηριστικά της ζωγραφικής του μπαρόκ είναι ο δυναμισμός των συνθέσεων των ζωγράφων Rubens Rembrandt και Velázquez. Στο πρώτο μέρος του XNUMXου αιώνα προωθήθηκε το καλλιτεχνικό κίνημα του ροκοκό, το οποίο ήταν πιο εορταστικό και εύθυμο από την τέχνη του μπαρόκ και έγινε ευρέως αποδεκτό στις χώρες της Γαλλίας και της Γερμανίας.
Το πολιτιστικό κίνημα του ρομαντισμού που ξεκίνησε στις αρχές του XNUMXου αιώνα, εξέφραζε τις διαθέσεις και τα έντονα συναισθήματα, αλλά στη Γαλλία ο πιο εξέχων ζωγράφος ήταν ο Ντελακρουά, στις Ηνωμένες Πολιτείες εξαιρετικός ζωγράφος ήταν ο Τόμας Κόουλ, ενώ στο Ηνωμένο Βασίλειο Η United εκπροσωπήθηκε από τους Constable και Turner και στην Ισπανία ήταν ο ζωγράφος Francisco de Goya.
Στα μέσα του δέκατου ένατου αιώνα επινοήθηκε η φωτογραφία και η ζωγραφική άρχισε να χάνει τον ιστορικό στόχο που είχε μέχρι τότε παρέχοντας τις πιο ρεαλιστικές εικόνες, εκείνη την εποχή έκανε την εμφάνισή του το καλλιτεχνικό κίνημα του ιμπρεσιονισμού εκπροσωπούμενο από τον γαλλικής καταγωγής ζωγράφο Edouard Manet. που ήταν ο πρόδρομος αυτού του κινήματος που το έκανε δυνατό με βάση τις χαλαρές πινελιές του και τη σχέση των χρωμάτων που χρησιμοποίησε για να φτιάξει μια πιο ρεαλιστική εικόνα χωρίς όμως να δίνει ιδιαίτερη σημασία στις πιο συγκεκριμένες λεπτομέρειες.
Τον XNUMXο αιώνα, τα χαρακτηριστικά της ζωγραφικής αναδεικνύονται περισσότερο λόγω της ποικιλομορφίας των ζωγραφικών ρευμάτων, μεταξύ των οποίων έχουμε τον Φωβισμό, που είναι γνωστός και ως Φωβισμός και είναι ένα εικονογραφικό κίνημα που γεννήθηκε στη Γαλλία και στη συνέχεια εξαπλώθηκε σε πολλές χώρες και ήταν χαρακτηρίζεται από την απόρριψη των παραδοσιακών χρωμάτων και τη χρήση βίαιων ή πολύ εντυπωσιακών χρωμάτων.
Το πολιτιστικό κίνημα που ονομάζεται Εξπρεσιονισμός γεννήθηκε επίσης αλλά στη Γερμανία, αλλά αντικατοπτρίστηκε σε διάφορους τομείς των καλών τεχνών όπως οι πλαστικές τέχνες, η αρχιτεκτονική, η λογοτεχνία, η μουσική, ο κινηματογράφος, το θέατρο, ο χορός, η φωτογραφία κ.λπ. Και χαρακτηριζόταν από το να δημιουργείς συναισθήματα περισσότερο από το να κάνεις ένα πιστό προϊόν πραγματικότητας.
Ομοίως, ο κυβισμός γεννήθηκε ως καλλιτεχνικό κίνημα μεταξύ 1907 και 1924, που δημιουργήθηκε από τον Pablo Picasso και τον Georges Braque, και ακολούθησαν οι καλλιτέχνες Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Juan Gris, María Blanchard και Guillaume. Το Apollinaire ήταν ένα κίνημα που βασίστηκε στην κατασκευή ζωγραφικής με τη μορφή μικρών κύβων. Η δημιουργία τρισδιάστατων εικόνων γίνονται δισδιάστατοι πίνακες ζωγραφικής.
Η αφηρημένη ζωγραφική κληρονομείται από αυτό το πολιτιστικό κίνημα του κυβισμού, το οποίο είναι μια μορφή αφηρημένου εξπρεσιονισμού που αναπτύχθηκε στη Νέα Υόρκη μεταξύ της δεκαετίας του 1940 και του 1950.
Στη συνέχεια, στο Ηνωμένο Βασίλειο εμφανίζεται η Pop art, ένα καλλιτεχνικό κίνημα που εμπνέεται από την αισθητική της καθημερινότητας και τα καταναλωτικά αγαθά που χρησιμοποιούνταν εκείνη την εποχή. Λοιπόν, έγιναν διαφημίσεις που διαφημίζουν κάποιο είδος ποτού ή φαγητού. Όντας ο κύριος εκπρόσωπος του ο Andy Warhol.
Τέλος, στον XNUMXο αιώνα εμφανίζεται ο μινιμαλισμός, που είναι μια τάση όπου τα πάντα περιορίζονται στο ουσιαστικό ή για να απαλλαγούμε από τα πλεονάζοντα στοιχεία και να κάνουμε τα χαρακτηριστικά των πινάκων με τη χρήση των ελάχιστων αισθητικών πόρων. Ενώ στον XNUMXο αιώνα δημιουργείται μια ιδέα πλουραλισμού και σήμερα χρησιμοποιείται μεγάλη ποικιλία στυλ και αισθητικής.
Καλλιτεχνικά είδη που χρησιμοποιούνται στη ζωγραφική
Ανάμεσα στα καλλιτεχνικά είδη που υπάρχουν και πρόκειται να ταξινομηθούν ανά θέματα, τα οποία με τη σειρά τους έχουν ταξινομηθεί μέσα από την ιστορία της ζωγραφικής που επηρέασαν την τεχνική, τις διαστάσεις, το ύφος και την έκφραση που φτιάχνει το έργο τέχνης. Συγγραφείς όπως ο Πλάτωνας (427-347 π.Χ.), ο Αριστοτέλης (384-322 π.Χ.) και ο Οράτιος (65-8 π.Χ.) ήρθαν να επιβεβαιώσουν ότι η τέχνη είναι μίμηση.
«Μια έννοια που χρησιμοποιούν αυτοί οι συγγραφείς, αποκαλώντας έτσι τη μίμηση της φύσης ως τον ουσιαστικό σκοπό της τέχνης»
Για αυτήν την έννοια, αξίζει να χρησιμοποιηθεί η διδακτική αξία που έχει και κάνει μια καλή αναπαράσταση, αλλά δεν πρέπει να κάνει διαφορές μεταξύ του πορτρέτου που φτιάχνει η φαντασία και του πραγματικού πορτρέτου. Ο αρχιτέκτονας Marco Vitruvio Polión στα μέσα του XNUMXου αιώνα, ο οποίος άρχισε να διακοσμεί τις τραπεζαρίες όπου παρατηρούνταν εικόνες με διάφορα γεύματα και σε άλλα δωμάτια φτιάχνονταν τοπία και μυθολογικές σκηνές.
Στην Αναγέννηση, ο αρχιτέκτονας Leon Battista Alberti είχε την ιδέα να ανεβάσει τον βαθμό του τεχνίτη ζωγραφικής σε αυτόν του φιλελεύθερου καλλιτέχνη, δηλώνοντας μάλιστα ότι η πιο σημαντική δουλειά που έχει ο ζωγράφος είναι η ιστορία, αλλά ο αρχιτέκτονας χρησιμοποιεί τη λέξη ιστορία. αναφέρθηκε στην αφηγηματική ζωγραφική που ερμηνεύει επικές ή θρησκευτικές σκηνές και στη συνέχεια να πει τα εξής:
"Αυτό που απεικονίζει τις σπουδαίες πράξεις μεγάλων ανδρών που αξίζει να θυμόμαστε διαφέρει από αυτό που περιγράφει τα έθιμα των ιδιωτών, από αυτό που απεικονίζει τη ζωή των αγροτών. Το πρώτο έχει μεγαλοπρεπή χαρακτήρα, θα πρέπει να προορίζεται για δημόσια κτίρια και κατοικίες των μεγάλων, ενώ το άλλο θα είναι κατάλληλο για κήπους».
Τον XNUMXο αιώνα, η ελαιογραφία έκανε την εμφάνισή της και η συλλογή, αν και το γεγονός της δημιουργίας μεγάλων αφηγηματικών τοιχογραφιών δεν χάθηκε, έδωσε επίσης αφορμή για εμπορικούς πίνακες και διάφορες πιο διαχειρίσιμες μορφές. Με αυτόν τον τρόπο άρχισαν να ταξινομούνται τα διαφορετικά εικαστικά είδη και η εξειδίκευση του κάθε καλλιτέχνη.
Στην Ιταλία, η ιστορική ζωγραφική συνεχίζεται και οι ζωγράφοι που βρίσκονταν στο βόρειο τμήμα της Ιταλίας έφτιαχναν πορτρέτα, ενώ οι ζωγράφοι που ήταν στην Ολλανδία άρχισαν να κάνουν πίνακες ειδών αλλά σε μικρή κλίμακα, ζωγραφίζοντας έργα αγροτικής ζωής, εκτός από νεκρές φύσεις. και τοπίο.
Με αυτόν τον τρόπο, το έτος 1667, ο αρχιτέκτονας και θεωρητικός με το όνομα André Félibien έφτασε με έναν συγκεκριμένο τρόπο να κατατάξει τα είδη της κλασικής ζωγραφικής, που είναι η ιστορία, το πορτρέτο, το τοπίο, οι θάλασσες, τα λουλούδια και τα φρούτα.
Είδος ζωγραφικής: Ονομάζεται επίσης σκηνή του είδους, αυτός ο πίνακας βασίζεται στις ιδιαίτερες συνήθειες των ανθρώπων στις καθημερινές και σύγχρονες σκηνές του καλλιτέχνη, είναι επίσης γνωστός ως ζωγραφική costumbrista. Οι πιο δημοφιλείς πίνακες αυτού του είδους έγιναν στην Ολλανδία στις αρχές του XNUMXου αιώνα.
Από τους πιο εξέχοντες καλλιτέχνες σε αυτό το είδος είναι ο Pieter Brueghel the Elder και ο Vermeer. Αν και δεν είναι σίγουρο αν φτιάχτηκαν για να αντιπροσωπεύουν την πραγματικότητα ή με σκοπό να αποσπάσουν την προσοχή των παρατηρητών από τους πίνακες που μερικές φορές ήταν πολύ κωμικοί. Ίσως είχαν έναν ηθικολογικό σκοπό μέσω των διαφορετικών παραδειγμάτων που έφερναν στους θεατές.
Αλλά δεν υπάρχει αμφιβολία ότι στη ζωγραφική του είδους του XNUMXου αιώνα, είχαν στο μυαλό τους όλη τη σατιρική ή ηθικολογική πρόθεση της κατάστασης στα διάφορα έργα των ζωγράφων William Hogarth ή Jean-Baptiste Greuze, ενώ στην Ισπανία ο ζωγράφος Diego. Ο Βελάσκεθ καλλιέργησε τη ζωγραφική του είδους ερμηνεύοντας το έργο του τη Γριά που τηγανίζει αυγά και τον νεροφόρο της Σεβίλλης, με αυτόν τον τρόπο τον ζωγράφο Φρανσίσκο Γκόγια.
Πορτρέτο: Στην ιεραρχία των ειδών που χρησιμοποιούνται στη ζωγραφική, το πορτρέτο κατέχει μια σημαντική αλλά διφορούμενη θέση, αφού με έναν τρόπο αντιπροσωπεύεις ανθρώπους με ομοίωση του Θεού και από την άλλη προσπαθούν να δοξάσουν το άτομο για τη ματαιοδοξία του και όσα έχουν κάνει ιστορικά. , γιατί πάντα εκπροσωπούνταν οι πλούσιοι και οι πιο σημαντικοί άνθρωποι.
Αλλά με την πάροδο του χρόνου, οι μεσαίες τάξεις προσέλαβαν ζωγράφους για να απεικονίσουν όλους τους ανθρώπους που αποτελούσαν την οικογένεια, σήμερα υπάρχουν πορτρέτα που γίνονται μεταξύ των οικογενειών αυτών που κυβερνούν, εταιρειών, ενώσεων και ατόμων.
Όταν ο ζωγράφος κάνει ένα πορτρέτο του εαυτού του, αυτό ονομάζεται αυτοπροσωπογραφία, ένας από τους πιο διάσημους ζωγράφους σε αυτό ήταν ο Ρέμπραντ που έκανε περισσότερες από εβδομήντα αυτοπροσωπογραφίες. Σε γενικές γραμμές, ο καλλιτέχνης κάνει μια πιο αντιπροσωπευτική αυτοπροσωπογραφία του, όπως δήλωσε ο Edward Burne-Jones, ο οποίος είναι Άγγλος καλλιτέχνης και σχεδιαστής, υποστηρίζοντας ότι:
«Η μόνη έκφραση που μπορεί να επιτραπεί σε μεγάλη προσωπογραφία είναι η έκφραση του χαρακτήρα και της ηθικής ποιότητας, τίποτα προσωρινό, εφήμερο ή τυχαίο».
Στην τεχνική του λαδιού που χρησιμοποιήθηκε από έναν από τους καλύτερους ζωγράφους της βόρειας Ευρώπης τον δέκατο πέμπτο αιώνα, τον Jan Van Eyck, ο οποίος ήταν ένας από εκείνους που προώθησαν την τέχνη της αυτοπροσωπογραφίας, ένα σημαντικό παράδειγμα αυτού ήταν όταν ο Ο καλλιτέχνης ζωγράφισε το Arnolfini Marriage, σε αυτόν τον πίνακα ο ζωγράφος απεικονίζεται με την έγκυο σύζυγό του ολόσωμη.
Κατά τη διάρκεια της Αναγέννησης αντιπροσωπεύτηκε ως κοινωνική θέση και ως με μεγάλη προσωπική επιτυχία οι άνθρωποι που απεικονίζονταν, με αυτόν τον τρόπο ξεχώρισαν πολλοί καλλιτέχνες ανάμεσά τους ο Λεονάρντο ντα Βίντσι, ο Ραφαέλ Σάντσιο και ο Ντουρέρο.Στην Ισπανία οι Zurbarán, Velázquez και Φρανσίσκο ντε Γκόγια.
Σε αυτές τις ομάδες προστέθηκαν επίσης οι Γάλλοι ιμπρεσιονιστές που άσκησαν επίσης αυτό το είδος, ο Ντεγκά, ο Μονέ, ο Ρενουάρ, ο Βενσάν βαν Γκογκ, ο Σεζάν κ.λπ. Φρόυντ, Φράνσις Μπέικον ή Άντι Γουόρχολ.
Ιστορική ζωγραφική: Ένα άλλο χαρακτηριστικό της ζωγραφικής είναι η ιστορική ζωγραφική, η οποία θεωρείται σπουδαίο είδος σε θρησκευτικούς, μυθολογικούς, ιστορικούς, λογοτεχνικούς και αλληγορικούς πίνακες. Σε αυτό το είδος ζωγραφικής απέδειξαν την προσωπική και πνευματική ή ηθική ζωή του ατόμου που ζωγραφίστηκε. Σε μια από τις ομιλίες του, ο κ. Sir Joshua Reynolds, ο οποίος ήρθε να εκθέσει στη Βασιλική Ακαδημία Τεχνών μεταξύ 1769 και 1790, υποστήριξε τα εξής:
«Ο μεγάλος σκοπός της τέχνης είναι να αφυπνίσει τη φαντασία… Σύμφωνα με το έθιμο, αυτό το κομμάτι της τέχνης το ονομάζω Ιστορική Ζωγραφική, αλλά πρέπει να λέγεται Ποιητικό. (…) Μερικές φορές πρέπει να παρεκκλίνει από τη χυδαία και αυστηρή ιστορική αλήθεια αναζητώντας το μεγαλείο για το έργο του».
Τότε ο καλλιτέχνης με το όνομα Nicolás Poussin, γαλλικής καταγωγής, ήταν ο πρώτος ζωγράφος που έκανε το είδος της ιστορικής ζωγραφικής σε μικρότερο σχήμα, αλλά αυτή η καινοτομία δεν ήταν τόσο επιτυχημένη. Ενώ ο ζωγράφος Ντιέγκο Βελάσκεθ το έτος 1656 τελείωσε το έργο του με τίτλο Las Meninas όπου περιγράφει την οικογένεια του Φιλίππου Δ', σε έναν μεγάλο πίνακα όπου συμβολικά φαίνεται ότι είναι ένα πορτρέτο της βασιλικής οικογένειας στο είδος της ιστορικής ζωγραφικής.
Μετά από αυτό και με το πέρασμα του χρόνου, ο ζωγράφος Πάμπλο Πικάσο το έτος 1937, ολοκλήρωσε το διάσημο έργο του με τίτλο Guernica, για να φτιάξει αυτόν τον πίνακα χρησιμοποίησε μια μεγάλη διάσταση στο είδος της ιστορικής ζωγραφικής.
Τοπίο: Τον XNUMXο αιώνα μ.Χ., πίνακες με το είδος ή το θέμα των τοπίων συναντώνται στις χώρες της Κίνας και της Ιαπωνίας, αφού στην Ευρώπη εμφανίζονται τοπία αλλά με έμφαση σε αφηγηματικές σκηνές ή πραγματείες για τη φαρμακευτική και τη βοτανική.
Αλλά αυτό το θέμα ξεκινά πραγματικά τον XNUMXο αιώνα μ.Χ., όταν άρχισε να ζητείται η εμφάνιση της συλλογής και άρχισαν να ζητούνται διάφορα θέματα αφιερωμένα σε ζωγραφιές της χώρας, και οι ζωγράφοι της Βόρειας Ευρώπης ορίστηκαν ως οι ειδικοί στον τομέα, με αυτόν τον τρόπο. Με αυτόν τον τρόπο προωθήθηκε με πιο συγκεκριμένο τρόπο το είδος των ολλανδικών τοπίων. Ότι είχα επικεντρωθεί στο να ζωγραφίσω τον χαμηλό ορίζοντα και τον γεμάτο σύννεφα ουρανό.
Επιπλέον, σε αυτό το είδος ζωγραφίστηκαν οι τυπικοί ολλανδικοί ανεμόμυλοι, βοοειδή και διάφορα ψαροκάικα. Στα ενετικά τοπία που βρίσκονται στην Ιταλία, τα οποία ζωγράφισε ο Giorgio Barbarelli da Castelfranco και οι μαθητές του, αυτοί οι πίνακες έγιναν με λυρική εμφάνιση και έχουν μια όμορφη χρωματική επεξεργασία.
Αυτός ο τύπος ζωγραφικής αναπτύχθηκε κατά τον δέκατο όγδοο αιώνα, αλλά ονομαζόταν επίσης vedutismo, καθώς ήταν ένα ιταλικό είδος που αναπτύχθηκε στη Βενετία, όπου οι αστικές απόψεις της πόλης αναπαριστώνται παρόμοια με το χαρτογραφικό στυλ, καθώς οι εικόνες γίνονται πανοράματα της πόλη.
Εκεί περιγράφονται τα κανάλια, τα μνημεία και τα πιο χαρακτηριστικά μέρη της Βενετίας, μερικές φορές ζωγραφίστηκαν μόνα τους ή με ανθρώπινες μορφές, οι σημαντικότεροι εκπρόσωποι αυτού του είδους ήταν οι Canaletto, Bernardo Bellotto, Francesco Guardi, Michele Marieschi και Luca Carlevarijs.
Στη σχολή Barbizon, όπου λέγεται το μέρος όπου βρίσκονται οι τοπιογράφοι, αφού αυτοί ήταν οι πρώτοι χαρακτήρες που ζωγράφισαν σε εξωτερικούς χώρους και έκαναν μελέτη για το πώς να δουλεύουν σε εξωτερικούς χώρους και η βάση αυτού του είδους είναι το φως και οι πολλές παραλλαγές του ειδικά επηρέασε την ιμπρεσιονιστική ζωγραφική.
Νεκρή φύση: Είναι ένα πιο αντιπροσωπευτικό είδος μίμησης της φύσης και των άψυχων αντικειμένων, που αντιπροσωπεύονται στην καθημερινή ζωή όπως φρούτα, λουλούδια, τρόφιμα, μαγειρικά σκεύη, επιτραπέζια σκεύη, βιβλία, κοσμήματα κ.λπ. Αλλά ένα από τα χαρακτηριστικά της ζωγραφικής σε αυτό το είδος είναι ότι το λιγότερο λογοτεχνικό.
Η αρχή του είδους της νεκρής φύσης, εμφανίζεται στην αρχαιότητα όπου χρησιμοποιήθηκε για να διακοσμήσει τις μεγάλες αίθουσες για ειδικές εκδηλώσεις, όπως οι ρωμαϊκές τοιχογραφίες στην Πομπηία, ο συγγραφέας Πλίνιος ο πρεσβύτερος ανέφερε ότι οι καλλιτέχνες ελληνικής καταγωγής των περασμένων αιώνων ήταν ο πιο επιδέξιος στην προσωπογραφία και τη νεκρή φύση.
Αυτό το είδος ζωγραφικής ήταν πολύ σημαντικό στη δυτική τέχνη τον XNUMXο αιώνα μ.Χ.. Σημαντικό παράδειγμα αυτού του είδους είναι ο πίνακας με τίτλο Σφαγή Φτιαγμένο από τον Ισπανό ζωγράφο Joachim Beuckelaer. Τον ίδιο αιώνα οι ζωγράφοι Caravaggio και Annibale Carracci έφτιαξαν έργα που αναπαριστούσαν υπέροχες νεκρές φύσεις.
Τον δέκατο έβδομο αιώνα μ.Χ., ο Γ. στην Ολλανδία εξελίσσεται ένας τύπος οινοποιείου που ονομάζεται ματαιοδοξία, Εκεί άρχισαν να εκτίθενται όλα τα είδη, όπως μουσικά όργανα, γυαλί, ασήμι και σερβίτσια, καθώς και κοσμήματα και σύμβολα όπως βιβλία, κρανία ή κλεψύδρες, που χρησίμευαν ως ηθικολογικό μήνυμα των εφήμερων απολαύσεων των αισθήσεων.
Ενώ η Γαλλική Ακαδημία προσδιόρισε αυτό το μέρος με την τελευταία τοποθεσία της εικονογραφικής ιεραρχίας. Αλλά η άφιξη του καλλιτεχνικού κινήματος του ιμπρεσιονισμού μαζί με πολλά χαρακτηριστικά της ζωγραφικής, η νεκρή φύση είναι για άλλη μια φορά ένα κανονικό θέμα μεταξύ των ζωγράφων και της κοινωνίας, οι πίνακες των Ηλιοτρόπιων του Βαν Γκογκ είναι ένας από τους πιο διαδεδομένους πίνακες αυτού του είδους.
Κυβιστές καλλιτέχνες άρχισαν επίσης να συνθέτουν νεκρές φύσεις, μεταξύ των οποίων ξεχωρίζουν οι εξής Pablo Picasso, Georges Braque, Maria Blanchard και Juan Gris.
γυμνά: σε αυτό το θέμα είναι ένα καλλιτεχνικό είδος όπου θα ξεχωρίζει η αναπαράσταση του ανθρώπινου σώματος και είναι επίσης ένα από τα χαρακτηριστικά της ζωγραφικής, στο γυμνό. Θεωρείται ως μία από τις ακαδημαϊκές ταξινομήσεις έργων τέχνης. Αλλά ορισμένοι διανοούμενοι τείνουν να το συνδέουν με τον ερωτισμό.
Όμως το είδος του γυμνού έρχεται πάντα να έχει διάφορες ερμηνείες και πολλές έννοιες, αφού από τη μυθολογία μέχρι τη θρησκεία και δίνοντας έμφαση στην ανατομική μελέτη ή ως αναπαράσταση της ομορφιάς και του αισθητικού ιδεώδους της τελειότητας όπως γινόταν στην Αρχαία Ελλάδα.
Στον καλλιτεχνικό τομέα, η μελέτη της τελειότητας και της αναπαράστασης του ανθρώπινου σώματος ήταν πάντα μια σταθερά στην ιστορία της τέχνης, από την προϊστορία με τη γλυπτική της Αφροδίτης του Willendorf μέχρι σήμερα. Το θέμα των γυμνών έγινε πιο αντιπροσωπευτικό στην Αρχαία Ελλάδα, όπου το γυμνό αντιλαμβανόταν την τελειότητα και την απόλυτη ομορφιά.
Αυτή η έννοια έχει διαρκέσει στην κλασικιστική τέχνη και έχει φτάσει μέχρι τις μέρες μας και εξαρτάται σε μεγάλο βαθμό από την αντίληψη που έχει η δυτική κοινωνία για το γυμνό και την τέχνη. Στο Μεσαίωνα, η απήχησή τους έφτασε στη θρησκεία, αφού βασίστηκαν σε θρησκευτικά θέματα και βιβλικές σκηνές, δικαιολογώντας αυτό το είδος.
Στην Αναγέννηση υπήρχε ένας νέος πολιτισμός που ονομαζόταν ανθρωπιστής και ήταν πιο ανθρωποκεντρικός, τοποθετώντας τον άνθρωπο ως το κέντρο όλων των πραγμάτων, και με αυτό το νέο δόγμα αναζωογόνησε την επιστροφή του γυμνού είδους στην τέχνη, βασισμένη όμως σε ιστορικά και μυθολογικά θέματα.. Υπομονή σε θρησκευτικά ζητήματα.
Τον XNUMXο αιώνα μ.Χ., το είδος του γυμνού άρχισε να χάνει τον εικονογραφικό του χαρακτήρα λόγω της εμφάνισης του πολιτιστικού κινήματος του ιμπρεσιονισμού και επρόκειτο να αναπαρασταθεί από τις αισθητικές του ιδιότητες ως αισθησιακή και ερωτική εικόνα, αλλά πλήρως αναφορική.
τεχνικές ζωγραφικής
Για να εξηγήσουμε τα χαρακτηριστικά των χρωμάτων, πρέπει να βασιστούμε στις πιο χρησιμοποιούμενες τεχνικές, αφού πώς αραιώνονται οι χρωστικές και στερεώνονται στην επιφάνεια που πρόκειται να βαφούν, γιατί αν οι χρωστικές δεν είναι διαλυτές στο συνδετικό που χρησιμοποιείται , παραμένουν διασκορπισμένοι σε αυτό. . Από τις πιο σημαντικές τεχνικές έχουμε:
Λάδι: Ένα από τα χαρακτηριστικά της ζωγραφικής είναι η χρήση λαδιού, καθώς χρησιμοποιούνται διάφορα είδη ελαίων για τη στερέωση της χρωστικής και ο διαλύτης που ονομάζεται νέφτι για να γίνει πιο διαυγής, καθώς είναι ένα πολύ πτητικό υγρό. Η ελαιογραφία γίνεται βασικά με χρωστικές που κονιοποιούνται στεγνά και στη συνέχεια αναμιγνύονται με το κατάλληλο ιξώδες με το φυτικό λάδι που θα χρησιμοποιηθεί, καθώς υπάρχουν λάδια που στεγνώνουν πιο αργά από άλλα και το κάνουν με οξείδωση και όχι με εξάτμιση.
Με αυτή την τεχνική σχηματίζονται στρώσεις χρωστικών που ενσωματώνονται στην επιφάνεια και γι' αυτό οι χρόνοι στεγνώματος πρέπει να ελέγχονται πολύ προσεκτικά ώστε η βαφή να στερεώνεται σωστά σε κάθε στρώση βαφής που εφαρμόζεται στο έργο.καλλιτεχνική.
Η διαδικασία οξείδωσης δίνει στο έργο τέχνης έναν πλούτο και βάθος στα χρώματα που χρησιμοποιούνται από την ξηρή χρωστική ουσία που χρησιμοποιείται και ο καλλιτέχνης θα μπορεί να διαφοροποιήσει τα χρησιμοποιούμενα έλαια καθώς και τον διαλύτη, έτσι ώστε η ποιότητα της βαφής να μπορεί να δείξει ένα εύρος χρωμάτων και ποιοτήτων από αδιαφανές έως πολύ διαφανές ή από ματ έως γυαλιστερό.
Για αυτόν τον λόγο και πολλούς άλλους, οι καλλιτέχνες επιδιώκουν να χρησιμοποιούν τα καλύτερα λάδια και είναι το πιο ευέλικτο μέσο που το χρησιμοποιεί πάντα με τον πιο βολικό τρόπο, αφού η λαδομπογιά δεν αλλάζει σχεδόν καθόλου κατά τη διαδικασία στεγνώματος, αλλά μακροπρόθεσμα αρχίζει να κιτρινίζει εάν δεν συντηρείται σωστά για την εργασία που εκτελείται.
Αν και η ελαιογραφία μπορεί να αντέξει πολλά διαδοχικά στρώματα που επιτρέπουν στον καλλιτέχνη να πραγματοποιήσει μια εικονογραφική ιδέα που δημιουργείται σε πολλά στρώματα, για παράδειγμα ο ζωγράφος Hilaire-Germain-Edgar de Gas ονόμασε αυτή τη διαδικασία ως το καλά τρέξιμο αλλά ο αργός χρόνος στεγνώματος επιτρέπει στους καλλιτέχνες να αφαιρέσουν την περίσσεια χρώματος και να περάσουν ολόκληρες περιοχές.
Σε δοκιμές που έχουν γίνει σε διάφορους πίνακες με ακτίνες Χ, μας επέτρεψαν να παρατηρήσουμε ότι οι μεγάλοι δεξιοτέχνες της ζωγραφικής έκαναν πολλές αλλαγές κατά τη διαδικασία του έργου τέχνης.
Κερί: Με αυτήν την τεχνική που χρησιμοποιείται σχεδόν πάντα ζεστή, που ονομάζεται επίσης εγκαυστική, που σημαίνει χάραξη στη φωτιά, είναι μια τεχνική που χρησιμοποιείται με τη χρήση κεριού ως συνδετικού των χρωστικών, όταν αναμειγνύεται με αυτό το υλικό έχει περισσότερα καλυπτικά αποτελέσματα αφού το κερί είναι πιο πυκνό και πιο κρεμώδες.
Η ζωγραφική με κερί εφαρμόζεται με σπάτουλα ή με ζεστό πινέλο, αφού τελειώσει το έργο τέχνης πρέπει να γυαλιστεί κάνοντας πινελιές με λινά υφάσματα σε ένα στρώμα κεριού που έχει ήδη απλωθεί.
Ότι σε αυτή την περίπτωση δεν θα λειτουργήσει ως συνδετικό αλλά για την προστασία του έργου τέχνης, αυτή η επέμβαση ονομάζεται σε καυστικοποίηση, και αυτή η τεχνική περιγράφεται από τον Marco Vitruvio Polión, ο οποίος στη ζωή του ήταν αρχιτέκτονας και ζωγράφος που έζησε μεταξύ των ετών 75 π.Χ. και 25 μ.Χ., ο οποίος σύμφωνα με όσα κατέληξε να επιβεβαιώσει τα εξής:
«Πρέπει να απλώσεις μια στρώση ζεστού κεριού πάνω στο χρώμα και μετά να το γυαλίσεις με στεγνά λινά πανιά»
Ακουαρέλα: Είναι ένας πίνακας που γίνεται σε χαρτί ή χαρτόνι, αλλά ένα από τα χαρακτηριστικά της ακουαρέλας είναι ότι αραιώνεται με νερό και τα χρώματα γίνονται πιο διάφανα ή πιο ανοιχτά ανάλογα με την ποσότητα του νερού που χρησιμοποιείται. Επιπλέον, σταματάτε να βλέπετε το φόντο του χαρτιού εάν είναι λευκό.
Αυτός ο τύπος ζωγραφικής συντίθεται με συγκολλημένες χρωστικές και αραβικό κόμμι ή με μέλι, σε αυτή τη διαδικασία η ζωγραφική χρησιμοποιείται από πολλά διαφανή στρώματα για να επιτευχθεί η μεγαλύτερη λαμπρότητα και ευκολία στη σύνθεση που γίνεται για το σχέδιο του πίνακα. .
Για να χρησιμοποιήσει αυτή την τεχνική, ο καλλιτέχνης πρέπει να έχει μεγάλη ασφάλεια στις πινελιές που κάνει και πολύ αυθορμητισμό όταν εκτελεί τις πινελιές, αφού αυτή η τεχνική έχει ως κύριο χαρακτηριστικό της τη ζωγραφική της διαφάνειας και τη φρεσκάδα των χρωμάτων. που χρησιμοποιούνται.
Υπάρχει επίσης η υπερρεαλιστική ακουαρέλα που θα έρχεται σε αντίθεση με το προηγούμενο αξίωμα και χρησιμοποιούνται βερνίκια για να αφαιρέσουν τα πρώτα στρώματα για να δώσουν διαδοχικά λούστρο και με αυτό θα επιτευχθεί ένα πολύ συγκεκριμένο chiaroscuro στο έργο τέχνης αλλά με μικρή διαφάνεια της κλασικής τεχνικής ακουαρέλας που χρησιμοποιείται.
Τέμπερα: επίσης γνωστός ως γκουάς Είναι μια τεχνική πολύ παρόμοια με την ακουαρέλα, αλλά διαφέρει επειδή φέρει ένα φορτίο βιομηχανικού τάλκη που προστίθεται σκόπιμα έτσι ώστε η χρωστική ουσία να είναι λίγο πιο αδιαφανής και όχι ημιδιαφανής στην τέμπερα, καθιστώντας την ένα από τα κύρια χαρακτηριστικά της ζωγραφικής με τέμπερες και γι' αυτό διαφέρει από την ακουαρέλα.
Με αυτόν τον τρόπο, μπορούν να εφαρμοστούν διάφορες αποχρώσεις από τις πιο σκούρες έως τις πιο ανοιχτές, και αυτή η διαδικασία στην ακουαρέλα θεωρείται λανθασμένη, η τέμπερα είναι ένα πολύ εξαιρετικό μέσο για να την εφαρμόσεις σε διαφορετικά σχέδια και να μπορείς να κάνεις στεγνά ή impasto πινελιές.
Όπως και η ακουαρέλα, η τέμπερα πρέπει να συγκολληθεί με αραβικό κόμμι, αλλά επί του παρόντος πολλές τέμπερες τοποθετούνται σε πλαστικό γιατί είναι ευκολότερο να αποκτηθεί και φθηνότερο.
Με την τεχνική της τέμπερας, ο François Boucher, ένας Γάλλος ζωγράφος, δημιούργησε σπουδαία αριστουργήματα και οι καλλιτέχνες του XNUMXου αιώνα μ.Χ., χρησιμοποιώντας τέμπερες μαζί με ακουαρέλα, μπόρεσαν να δώσουν διάκριση σε συγκεκριμένες περιοχές του έργου τέχνης που ήταν φτιαγμένο από ακουαρέλα. Αυτός είναι ο λόγος για τον οποίο ο ζωγράφος Paul Signac Γάλλος ζωγράφος που φημιζόταν για την εκτέλεση της διχαστικής τεχνικής ήρθε να επιβεβαιώσει τα εξής:
"Ορισμένα μωβ ροζ στους ουρανούς του Turner, ορισμένα πράσινα στις ακουαρέλες του Johan Jongkind δεν θα μπορούσαν να επιτευχθούν χωρίς λίγη γκουάς"
Ακρυλικό: η χρήση ακρυλικού χρώματος ως τεχνική τα χαρακτηριστικά του χρώματος έχουν εκτιμηθεί ιδιαίτερα από τους σύγχρονους καλλιτέχνες για το πολύ γρήγορο στέγνωμα του, καθώς οι χρωστικές περιέχουν ένα πολυμερές γαλάκτωμα που είναι γενικά κόλλα βινυλίου, αν και μπορούν να αφαιρεθούν ή να αραιωθούν εύκολα. με νερό, μετά το στέγνωμα είναι πολύ ανθεκτικά στο νερό.
Αυτό που ξεχωρίζει περισσότερο σε αυτήν την τεχνική είναι η ευκολία και η ταχύτητα στεγνώματος, αλλά όταν στεγνώνει, ο χρωματικός τόνος τείνει να αλλάξει λίγο, μερικές φορές γίνεται πιο σκούρος ή ανοιχτότερος ανάλογα με το χρώμα που χρησιμοποιείται. Η ακρυλική ζωγραφική είναι σχετικά νέα, έχοντας τις ρίζες της τον XNUMXο αιώνα μ.Χ.
Η τεχνική του ακρυλικού αναπτύχθηκε στις Ηνωμένες Πολιτείες και τη Γερμανία, αλλά παράλληλα, ο Αμερικανός ζωγράφος Τζάκσον Πόλοκ χρησιμοποίησε ακρυλικό χρώμα, όπως βγαίνει σε δοχεία, για να πετύχει νέες υφές και να τα κάνει πιο παχύρρευστα. Ενώ ο ζωγράφος Morris Louis, επίσης από την ίδια χώρα, χρησιμοποίησε ακρυλικό χρώμα, αλλά το αραίωσε με νερό για να ζωγραφίσει μεγάλους καμβάδες και να του δώσει ένα βαμμένο αποτέλεσμα αντί για βαμμένο.
Πίτα: Μια τεχνική με μεγάλη σημασία στη ζωγραφική είναι η τεχνική του παστέλ, καθώς αποτελείται από τη χρήση χρωματικών ράβδων, στις οποίες οι χρωστικές ουσίες βρίσκονται σε σκόνες αναμεμειγμένες με καουτσούκ ή ρητίνη, ώστε να μπορούν να συγκολληθούν και να σχηματίσουν μια ξηρή και πολύ συμπαγή πάστα.
Γι' αυτό η λέξη παστέλ τονίζει τη λέξη πάστα, αφού είναι πάστα και διαμορφώνονται σε μορφή ράβδου και έχουν πάχος περίπου ένα δάχτυλο και μπορούν να χρησιμοποιηθούν απευθείας στην επιφάνεια που πρόκειται να σχεδιαστεί το έργο τέχνης. χωρίς να χρειάζεται να χρησιμοποιήσετε βούρτσες ή σπάτουλες και ούτε διαλύτη.
Για να δουλέψετε με την τεχνική παστέλ, χρησιμοποιείται ως επιφάνεια ένα πολύ καλής ποιότητας χαρτί που έχει καλό γραμμάριο, λευκό ή ουδέτερο χρώμα που δεν επηρεάζει το χρώμα, εκτός από το ότι έχει μικρή τραχύτητα, αν και η τεχνική παστέλ είναι πολύ ευέλικτο και ταυτόχρονα ευέλικτο αφού μπορεί να χρησιμοποιηθεί σε διάφορες επιφάνειες όπως ξύλο ή πλαστικό.
Αν και τα χρώματα που χρησιμοποιούνται μπορεί να είναι πολύ δυνατά και αδιαφανή, έχει μια δυσκολία που είναι η προσκόλληση της χρωστικής στην επιφάνεια που θα βαφεί, έτσι στο τέλος για να δώσει μια ενίσχυση στο καλλιτεχνικό έργο και εφαρμόζεται ένα σταθεροποιητικό σχέδιο με ατμοποιητές ( σπρέι), που είναι ειδικά για αυτή την τεχνική.
Αλλά γενικά γνωρίζουμε την τεχνική παστέλ ως κραγιόνια, ο πιο χρησιμοποιούμενος πόρος της είναι η γραμμή όπου μπορεί να σχηματιστεί μια σειρά από καρέ, ένας άλλος τρόπος χρήσης της είναι να τη μετατρέψουμε σε σκόνη, καθώς το παστέλ τείνει να απελευθερώνει πολύ χρωματιστή σκόνη.
Πολλοί από τους καλλιτέχνες χρησιμοποιούν αυτή την τεχνική της χρήσης έγχρωμης σκόνης για να δώσουν δημιουργικότητα στο έργο τέχνης τους, ανάμεσά τους είναι ο Λεονάρντο ντα Βίντσι, ο οποίος ήταν ένας από τους πρώτους καλλιτέχνες που χρησιμοποίησε αυτή την τεχνική στο σχέδιο που έκανε στην Isabel de Este, αλλά και σε άλλους. όπως ο Hans Holbein ο νεότερος, ο Correggio, ο Fragonard ή ο Degas.
Ναός: Κατά τη χρήση της τεχνικής βαφής Tempera χρησιμοποιείται ένα διάλυμα ως συνδετικό που γίνεται με νερό και το ασπράδι ενός αυγού και ένα ειδικό λάδι.Το πρώτο πράγμα που πρέπει να κάνετε είναι να ανακατέψετε το ασπράδι του αυγού με το λάδι μέχρι να γίνει μια ομοιογενής πάστα. , μετά προσθέτουμε νερό μέχρι να έχουμε το γαλάκτωμα ή το μέσο της τεχνικής τέμπερας.
Η αναλογία που χρησιμοποιείται είναι η μερίδα ενός ολόκληρου αυγού συν το ίδιο σε λάδι, συν τρία μέρη νερού, αλλά αυτό εξαρτάται από τη ρευστότητα που θέλει να πετύχει ο ζωγράφος, υπάρχουν πολλοί καλλιτέχνες που προσθέτουν λίγο βερνίκι για να μπορέσουν να αντικαταστήστε το λάδι λιναρόσπορου που χρησιμοποιείται περισσότερο. Κατά την εκτέλεση αυτής της διαδικασίας, η τεχνική σκλήρυνσης προσφέρει μεγαλύτερη σταθερότητα και καλύτερο κράτημα, καθώς και γρηγορότερο στέγνωμα.
Αλλά μετά το στέγνωμα, το φινίρισμα που δίνει είναι πιο αδιαπέραστο στα νέα γλάσα.Υπάρχουν άλλοι καλλιτέχνες που αντί να χρησιμοποιούν νερό, χρησιμοποιούν αποβουτυρωμένο γάλα ή λάτεξ συκιάς ή κερί, αλλά πάντα συνδεδεμένο με νερό.
Ο Ιταλός ζωγράφος και αρχιτέκτονας Giorgio Vasari χρησιμοποίησε επίσης τη λέξη τέμπερα για να μπορέσει να φτιάξει ένα λάδι βερνικιού, με τη χρήση αυτής της τεχνικής έχουν γίνει μεγάλα αριστουργήματα, για παράδειγμα ο Sandro Botticelli ξεχωρίζει όταν έκανε Η γέννηση της Αφροδίτης, Όπως εξήγησε ο DV Thompson:
«Ένα καλοφτιαγμένο βάψιμο αυγών είναι από τις πιο ανθεκτικές μορφές ζωγραφικής που έχει εφεύρει ο άνθρωπος. Κάτω από τη βρωμιά και τα βερνίκια, πολλά μεσαιωνικά έργα αυγοτέμπερας είναι τόσο φρέσκα και λαμπερά όσο όταν βάφτηκαν. Κανονικά οι πίνακες με τέμπερες έχουν αλλάξει λιγότερο σε πεντακόσια χρόνια από τις ελαιογραφίες σε τριάντα»
Μελάνι: σε αυτό το άρθρο, σχετικά με τα χαρακτηριστικά της ζωγραφικής με τη χρήση της τεχνικής μελανιού ή επίσης γνωστή ως κινέζικη μελάνη, αυτό το μελάνι είναι γενικά υγρό, αν και έρχεται επίσης σε συμπαγή ράβδο, αλλά πρέπει να αλεσθεί και να αραιωθεί για να το χρησιμοποιήσετε. σχεδόν πάντα χρησιμοποιείται σε χαρτί και τα πιο χρησιμοποιούμενα χρώματα είναι η σέπια και το μαύρο, αλλά σήμερα υπάρχουν αρκετά χρώματα.
Το κινέζικο μελάνι μπορεί να εφαρμοστεί με διάφορους τρόπους, αλλά ένας από τους πιο συνηθισμένους είναι η χρήση μύτης ή στυλό, τα οποία είναι πιο πρακτικά για να κάνετε ένα σχέδιο ή κάποια καλλιγραφία, χρησιμοποιούνται διαφορετικές άκρες για το στυλό και είναι γεμάτο με μελάνι. να κάνει γραμμές και με αυτές να μπορεί να γράφει ή να κάνει σχέδια αλλά όχι να κάνει πίνακες.
Ένας άλλος τρόπος ή πόρος για να μπορέσετε να χρησιμοποιήσετε το κινέζικο μελάνι είναι με το πινέλο, αλλά θα χρησιμοποιηθεί σαν ακουαρέλα και ονομάζεται γκουάς, το οποίο είναι η ανάμειξη κινέζικου μελανιού με νερό και αλκοόλ και το χρώμα που θα χρησιμοποιηθεί. Αυτή η τεχνική είναι παρόμοια με την αρχαία τεχνική που χρησιμοποιούνταν στην Ιαπωνία όπου έφτιαχναν την ιαπωνική καλλιγραφία τους, η οποία επίσης βασιζόταν σε μελάνι και χαρτί.
Ένας άλλος τρόπος για να το χρησιμοποιήσετε είναι χρησιμοποιώντας το στυλό σχεδίασης, το οποίο είναι ένας φορτιστής μελανιού ή ο λεγόμενος ραπιδογράφος, αλλά αυτή η τεχνική, μαζί με τον γραφίτη, είναι περισσότερο για σχέδιο παρά για ζωγραφική.
Δροσερός: η τεχνική είναι μια τεχνική ζωγραφικής που είναι σύγχρονη, αφού βασίζεται στη χημική αλλαγή των χρωστικών της γης που αναμειγνύονται με καθαρό νερό, μπορεί να εφαρμοστεί σε κονίαμα που έχει μέσα ασβέστη και άμμο, ενώ ο ασβέστης είναι τη μορφή του υδροξειδίου του ασβεστίου. Επειδή το διοξείδιο του άνθρακα που βρίσκεται στην ατμόσφαιρα, ο ασβέστης πρόκειται να μετατραπεί σε ανθρακικό ασβέστιο.
Με αυτόν τον τρόπο η χρωστική ουσία θα κρυσταλλωθεί μέσα στον τοίχο. Οι τεχνικές ζωγραφικής με την τοιχογραφία είναι πολύ απλές αλλά είναι πολύ επίπονες και κατά την προετοιμασία του μείγματος χρειάζεται πολύς χρόνος. Αυτή η τεχνική έχει το χαρακτηριστικό της βαφής να είναι πολύ ανθεκτική στο χρόνο.
Αλλά τείνει να καταστραφεί από φυσικά, χημικά ή βακτηριολογικά αίτια, μια από τις κύριες αιτίες θα είναι η υγρασία που θα έχει ως κύρια ζημιά την αλλοίωση των χρωμάτων λόγω της διάλυσης του ανθρακικού ασβεστίου και η εργασία τείνει να αναπτύξει αυτό που λένε μούχλα .
Grisaille: μια άλλη από τις τεχνικές που χρησιμοποιούνται στη ζωγραφική, αλλά βασίζεται σε μια μονόχρωμη ζωγραφική σε αυτό που ονομάζουν chiaroscuro ή φως και σκιά, όπως δήλωσε ο ιταλικής καταγωγής ζωγράφος Giorgio Vasari, το χρώμα γίνεται με το μείγμα οξειδίων του σιδήρου και με προστίθεται λίγος χαλκός και ροή, αυτό δημιουργεί μια αίσθηση γλυπτικής ανακούφισης στα έργα τέχνης.
Τον δέκατο τέταρτο αιώνα μ.Χ., αυτή η τεχνική χρησιμοποιήθηκε για τα προπαρασκευαστικά σκίτσα που χρησιμοποιούν οι γλύπτες για να επιτύχουν αυτό το ανάγλυφο αποτέλεσμα κάνοντας διάφορα χαρακτικά του ίδιου χρώματος. Κατά τη βασιλεία του Καρόλου Ε' της Γαλλίας, η τεχνική grisaille χρησιμοποιήθηκε σε βιτρό και μινιατούρες.
Η χρήση του θα είναι ένα από τα κύρια χαρακτηριστικά της φλαμανδικής ζωγραφικής αφού στο πίσω μέρος των στάβλων αναπαράσταση Ευαγγελισμός με την τεχνική grisaille. Ο Ισπανός ζωγράφος Josep Maria Sert εφάρμοσε αυτή την τεχνική αλλά αντί για τη μονόχρωμη εξέλιξή της.
Το χρησιμοποίησε ακουμπισμένος στη χρυσή μονόχρωμη αφού αυτός ο ζωγράφος χρησιμοποίησε μια μεγάλη γκάμα χρωματικών χρωμάτων όπου χρησιμοποίησε μέταλλα όπως χρυσό, ασήμι, χαλκό, φρυγανισμένη γη, με πινελιές καρμίνης, χρησιμοποιώντας ως φόντο ένα πλούσιο παρασκεύασμα σε μέταλλο, ασήμι και ψωμί.από χρυσό.
Pointillism: Είναι μια από τις τεχνικές που προέκυψαν στον νεο-ιμπρεσιονισμό επειδή ο ζωγράφος Georges Seurat τη μελετούσε και την εξασκούσε, αλλά η τεχνική συνίσταται στην τοποθέτηση μικρών σφαιρικών κουκκίδων καθαρών χρωμάτων, αντί της εκτέλεσης της τεχνικής της πινελιάς στην επιθυμητή επιφάνεια.
Καθώς υπάρχουν φυσικές σχέσεις μεταξύ των διαφορετικών χρωμάτων, υπάρχει μια αλληλεπίδραση μεταξύ των πρωταρχικών και των συμπληρωματικών χρωμάτων, επιτυγχάνοντας έναν εξαιρετικό συνδυασμό χρωμάτων για τον παρατηρητή.
Αυτό το μείγμα φαίνεται από τον παρατηρητή σε μια ορισμένη απόσταση από τη ζωγραφική και είναι ικανό να παράγει μεγάλη επίδραση στον παρατηρητή όταν ενώνονται τα διαφορετικά σημεία.
Στάζει: Είναι μια τεχνική για να κάνετε μια αυτόματη ζωγραφική, για τους σουρεαλιστές αυτή η τεχνική μπορεί να επιτευχθεί κάνοντας έναν απλό πίνακα, γίνεται με σταγόνες και πιτσιλιές διαφόρων χρωμάτων, είναι μια τεχνική που ονομάζεται επίσης αμερικανική ζωγραφική δράσης (action painting ).
Η τεχνική πραγματοποιείται όταν ο καλλιτέχνης περπατά στην επιφάνεια που θα ζωγραφίσει με μεγάλα πινέλα ή με το ίδιο δοχείο μπογιάς. Και ρίχνει το χρώμα που στάζει η φιγούρα, αυτό γίνεται με ένα σμάλτο που είναι οι λεκέδες που μένουν στο στήριγμα που χρησιμοποιεί ο καλλιτέχνης.
γκράφιτι: Αυτή η τεχνική χρησιμοποιείται με χρώματα που είναι συσκευασμένα και είναι πολύ εμφανή στα χαρακτηριστικά του χρώματος. Γι' αυτό το ονομάζουν αεροζόλ και χρησιμοποιείται όταν ο καλλιτέχνης πατάει το κουμπί στο πάνω μέρος από το οποίο εκτοξεύεται η μπογιά σε μορφή σπρέι, με αυτή την τεχνική είναι δυνατή η ζωγραφική σε μεγάλες επιφάνειες.
Συνήθως αυτή η τεχνική χρησιμοποιείται από άτομα που ζωγραφίζουν τοίχους και δρόμους, αυτό το είδος ζωγραφικής ονομάζεται γκράφιτι. Στα τέλη της δεκαετίας του '70, οι αστικοί καλλιτέχνες άρχισαν να κάνουν τα γκράφιτι τους σε όλους τους τοίχους που μπορούσαν να βρουν και με την εμπειρία δημιουργούσαν αληθινά έργα τέχνης.
Επί του παρόντος κατασκευάζονται χρώματα αερολύματος για αυτούς τους καλλιτέχνες και ορισμένοι έχουν ήδη τα δικά τους πρότυπα για να μπορούν να οριοθετούν την επιφάνεια που θέλουν να σημαδέψουν με το έργο τέχνης τους, φυσικά, υπάρχουν ήδη στην αγορά πρότυπα με διαφορετικά μοντέλα και γράμματα με το οποίο θα μπορούν να κάνουν πρόβες λιγότερο έμπειροι καλλιτέχνες.
Μικτές τεχνικές: Κατά την υλοποίηση έργων τέχνης, ορισμένοι καλλιτέχνες χρησιμοποιούν τα διαφορετικά χαρακτηριστικά του πίνακα μέσα στο ίδιο έργο για να τραβήξουν την προσοχή του παρατηρητή. Για παράδειγμα, ορισμένοι καλλιτέχνες χρησιμοποιούν αυτό που ονομάζεται κολάζ, το οποίο πρόκειται να είναι μια καλλιτεχνική τεχνική που δεν είναι ζωγραφική αφού δεν είναι ζωγραφισμένη, αλλά γίνεται μικτή τεχνική όταν ο καλλιτέχνης χρησιμοποιεί κάποια τεχνική όπως ακουαρέλα, τέμπερα ή μελάνι.
Αλλά στο τέλος ο καλλιτέχνης πρέπει να αποφασίσει για τη διαφορά μεταξύ μιας εικονογραφικής διαδικασίας και μιας εικονογραφικής τεχνικής, αφού είναι κατανοητό ότι μια εικονογραφική διαδικασία είναι να κάνει την ένωση πολλών στοιχείων στο ίδιο έργο. Ενώ ο τρόπος που εφαρμόζει ο καλλιτέχνης πρόκειται να κάνει μια εικονογραφική τεχνική.
Υλικά που χρησιμοποιήθηκαν στους πίνακες
Για να μπορέσετε να αφοσιωθείτε στη ζωγραφική, υπάρχουν άπειρα υλικά που χρησιμοποιούνται από καλλιτέχνες μέσω γραπτών εγγράφων και σημειώσεων που απευθύνονται σε διαφορετικούς καλλιτέχνες, και μια άλλη πηγή είναι η διενέργεια τεχνικής και επιστημονικής εξέτασης του έργου τέχνης. Ορισμένες από αυτές τις εξετάσεις προορίζονται να ενισχύσουν την τεκμηριωμένη απόδειξη των έργων για να πιστοποιηθεί εάν είναι πρωτότυπα ή όχι.
Καθώς πρέπει να είναι σημαντικό τα υλικά που χρησιμοποιεί αυτή τη στιγμή ο καλλιτέχνης να είναι διάφορα και τον XNUMXο αιώνα θα σας φτιάξουμε μια μεγάλη λίστα υλικών που μπορούν να χρησιμοποιηθούν για την κατασκευή ενός έργου τέχνης. Μεταξύ των οποίων έχουμε:
Υποστηρίζει: Αυτό το υλικό έχει τη λειτουργία να στηρίζει το φόντο και τις διαφορετικές στρώσεις χρώματος που χρησιμοποιεί ο ζωγράφος, αλλά πρέπει να θυμόμαστε ότι στα χαρακτηριστικά του πίνακα υπάρχουν πολύ διαφορετικά μοντέλα για να διαλέξετε, τα πιο χρησιμοποιημένα είναι αυτά από χαρτί. το χαρτόνι, το ξύλο, ο καμβάς και οι τοίχοι της πόλης. Αλλά μπορείτε επίσης να προσθέσετε μέταλλο, γυαλί, πλαστικό και δέρμα ανάμεσα σε πολλά άλλα.
Αλλά όλα τα στηρίγματα θα χρειαστούν ένα ειδικό αστάρι που θα προετοιμάσει μια επιφάνεια ώστε ο ζωγράφος να μπορεί να φτιάξει το έργο τέχνης του και όλα να έχουν διαφορετική διαδικασία για το υλικό που πρόκειται να χρησιμοποιηθεί.
Ξύλινη σανίδα: Είναι ένα από τα πιο χρησιμοποιημένα στηρίγματα από την αρχή της ζωγραφικής, όταν στην Αιγυπτιακή εποχή οι καλλιτέχνες χρησιμοποιούσαν ήδη την ξύλινη σανίδα ως σαρκοφάγους, ενώ στο Μεσαίωνα χρησιμοποιούσαν βωμό για την κατασκευή βωμών και το αστάρι τους ήταν πολύ εύκολο αφού βάλτε μόνο ένα στρώμα κόλλας πάνω του.
Και αν το ξύλο έπρεπε να είναι επιχρυσωμένο, χρησιμοποιήστε το αστάρι με φύλλο χρυσού, που είναι χαρακτηριστικό της βαφής, αλλά πριν τοποθετήσετε το φύλλο χρυσού πάνω του, έπρεπε να γίνει ένα άλλο αστάρι με μια στρώση κόλλας και μια άλλη στρώση σοβά ή άργιλο για να δώστε μια πιο δυνατή πινελιά στην ξύλινη σανίδα.
Τον XNUMXο αιώνα μ.Χ., το ευρωπαϊκό καβαλέτο άρχισε να χρησιμοποιείται ως κύριο στήριγμα, αφού το μασίφ ξύλο που χρησιμοποιήθηκε στο παρελθόν ήταν καλυμμένο με λωρίδες από λινό ύφασμα κολλημένες ώστε να μην φαίνονται να είναι μαζί. Το ξύλο έπρεπε να είναι σε καλή κατάσταση και να αποφεύγονται πιθανές ρωγμές που μπορεί να έχουν.
Στη συνέχεια άρχισε να χρησιμοποιείται σε κόντρα πλακέ και μοριοσανίδες ως ξύλινη σανίδα. Οι ξύλινες σανίδες άρχισαν να γίνονται προκατασκευασμένες και πρόσφεραν ένα μεγάλο χαρακτηριστικό της ζωγραφικής· μπορούσαν να είναι λείες και οι αρμοί δεν φαίνονται, όπως και η λεγόμενη σανίδα. επιτραπέζιο, ότι ήταν πολύ ελαφρύ και εύκολο στο χειρισμό, επιπλέον ο καλλιτέχνης μπορούσε να το κουβαλάει πάντα μαζί του και είχε δύο όψεις, τη λεία και την τραχιά και οι σανίδες είναι πολύ σημαντικές στα χαρακτηριστικά του πίνακα.
Ο καμβάς: Σύμφωνα με τον συγγραφέα και στρατιώτη Πλίνιο τον Πρεσβύτερο, στον Ρωμαίο αυτοκράτορα Νέρωνα είπαν ότι είχε ένα πορτρέτο του ζωγραφισμένο σε καμβά μήκους 36,5 μέτρων επί πλάτους 12 μέτρων, ο φιλόσοφος Ηράκλειτος στο χειρόγραφό του με τίτλο From Coloribus et Artibus Romanorum από το τον XNUMXο αιώνα π.Χ., περιέγραψε πώς πρέπει να προετοιμαστεί ένας λινός καμβάς για να τον διακοσμήσει και να τον ζωγραφίσει.
Έγραψε και τον ακριβή τρόπο να το τεντώσει και πώς να ετοιμάσει το ύφασμα με την κόλλα για να είναι εξαιρετικό σαν περγαμηνή. Το χρώμα που τοποθετήθηκε στον καμβά άρχισε να χρησιμοποιείται στη βόρεια Ευρώπη και αργότερα στην Ιταλία λόγω της μεγάλης ελαφρότητάς του και των πολλαπλών τρόπων χρήσης του.
Τον XNUMXο αιώνα μ.Χ., άρχισε να χρησιμοποιείται πολύ συχνά στα παρασκήνια και στις αρχές του XNUMXου αιώνα μ.Χ., άρχισε να παράγεται σε σειρά. Οι καμβάδες που χρησιμοποιήθηκαν περισσότερο ήταν αυτοί από φυτικές ίνες όπως κάνναβη, λινό, λεπτή υφασμένη γιούτα ή βαμβάκι, που είναι επίσης ένα από τα χαρακτηριστικά της ζωγραφικής.
Όλοι αυτοί οι καμβάδες κατασκευάστηκαν με χονδροειδείς ή λεπτούς κόκκους, ανάλογα με το αποτέλεσμα που ήθελε να αποκτήσει ο καλλιτέχνης στο έργο που ήθελε να κάνει, υπάρχει και τεκμηρίωση που αναφέρει ότι χρησιμοποίησαν πολυεστερικό καμβά.
Προς το παρόν, όλοι οι καμβάδες μπορούν να αγοραστούν στα μέτρα που επιθυμεί ο καλλιτέχνης και να τοποθετηθούν στο πλαίσιο που θέλει, αφού στην αγορά υπάρχουν διάφορα μοντέλα, τύποι και φορμάτ. Αλλά φυσικά υπάρχει διεθνής αρίθμηση για τις μετρήσεις πλάτους και μήκους του πλαισίου, ανάλογα με τα χαρακτηριστικά του πίνακα που πρόκειται να ζωγραφιστεί στον καμβά.
Προς το παρόν έχουν κατασκευαστεί τρία διαφορετικά σχήματα για να έχει το καθένα τα χαρακτηριστικά του πίνακα που επιθυμεί να πραγματοποιήσει ο καλλιτέχνης, όπως η φιγούρα, το τοπίο και το θαλάσσιο. Από τη μια πλευρά έχει πάντα το ίδιο μέγεθος και από την άλλη θα μειώνεται, παραμένοντας ως εξής:
- Αυτό στο σχήμα θα έχει διαστάσεις 100 cm επί 81 cm
- Οι διαστάσεις του τοπίου είναι 100 cm επί 73 cm.
- Το ναυτικό θα έχει τις εξής διαστάσεις: 100 cm επί 64 cm.
Αυτές είναι οι συμφωνίες που έχουν επιτευχθεί διεθνώς, αλλά γνωρίζοντας τους καλλιτέχνες, δεν διέπονται από αυτά τα μέτρα και εκτελούν τα έργα τέχνης τους με τα μέτρα που πιστεύουν ότι πρέπει να είναι η δουλειά τους, στους περισσότερους καμβάδες που βρίσκονται στην αγορά προς πώληση τα παρασκευάζουν με λινέλαιο και πληρωτικό πόρων.
Υπάρχουν όμως και εκείνα που παρασκευάζονται με βάση γαλακτώματα που είναι τα καταλληλότερα για χρήση με λαδομπογιά, ή με ακρυλικό χρώμα, με αυτόν τον τρόπο απλοποιείται το αστάρωμα των καμβάδων για τα διαφορετικά χαρακτηριστικά του χρώματος που πρόκειται να χρησιμοποιηθεί ο καλλιτέχνης και έτσι να επιτευχθεί το αναμενόμενο αποτέλεσμα με την καλύτερη ποιότητα.
Χαλκός: Ένα από τα σημαντικότερα υλικά στη χρήση των χαρακτηριστικών της ζωγραφικής είναι ο χαλκός, αφού χρησιμοποιείται από τον δέκατο πέμπτο αιώνα μ.Χ.. Χρησιμοποιήθηκε σε πολύ λεπτά φύλλα από ζωγράφους που βρίσκονταν βόρεια της ευρωπαϊκής ηπείρου. Γερμανικής καταγωγής καλλιτέχνης Adam Elsheimer. Έπρεπε να τα χρησιμοποιήσω αλλά σε μικρό μέγεθος και αυτό έκανε τους ερευνητές να πιστέψουν ότι τα παλιά χαρακτικά τα χρησιμοποιούσαν με έναν τρόπο για να τα ανακυκλώσουν.
Ποτήρι: ένα άλλο μέσο που χρησιμοποιήθηκε ευρέως από διαφορετικούς καλλιτέχνες για τη ζωγραφική ήταν το γυαλί, κατασκευάστηκαν επίσης αμέτρητα αντικείμενα όπως βάζα, ποτήρια, δοχεία, τετράγωνα, τρίγωνα μεταξύ πολλών άλλων όπου ο καλλιτέχνης έφτιαχνε το σμάλτο του και μόλις τα διακοσμούσε κρύα, εισήχθη σε ένα φούρνος θερμότητας με θερμοκρασία χαμηλότερη από το σημείο τήξης του γυαλιού κάνοντας μεγάλα και όμορφα έργα τέχνης.
Τον XNUMXο αιώνα μ.Χ., άρχισαν να χρησιμοποιούνται ως στηρίγματα για βιτρό, καθώς αποτελεί πολύ σημαντικό στήριγμα για τα χαρακτηριστικά της ζωγραφικής στις διάφορες εκκλησίες και τους μεγάλους Καθεδρικούς ναούς, άρχισαν να τοποθετούνται μεγάλοι έγχρωμοι κρύσταλλοι και ζωγραφική σε γυαλί με θρησκευτικές εικόνες και πολυάριθμες σκηνές βγαλμένες από τη Βίβλο.
Με τη χρήση της τεχνικής grisaille, ένα από τα χαρακτηριστικά της ζωγραφικής, επιτεύχθηκε ότι στη μια πλευρά ήταν μονόχρωμη και στην άλλη διακοσμήθηκε με κάποιο θρησκευτικό καλλιτεχνικό έργο που τονίζει έναν άγιο ή μια σκηνή από τη Βίβλο. Έγιναν επίσης πολλά πρόσωπα των αγίων.
Χαρτί: Σύμφωνα με τα στοιχεία των ερευνητών και τα ευρήματα που έχουν βρεθεί, το χαρτί που χρησιμοποιήθηκε για την κατασκευή των έργων τέχνης προήλθε από την Κίνα, γύρω στο έτος 200 π.Χ., και ο εφευρέτης αυτού του υλικού είναι Κινέζος.που ονομάζεται Cai Lun μεταξύ τα έτη 50 μ.Χ. και τον 121ο μ.Χ.
Ο οποίος υπηρέτησε ως αυτοκρατορικός ευνούχος, επειδή βελτίωσε τη χάρτινη φόρμουλα και την έκανε καλύτερη εναλλακτική από τον πάπυρο και την περγαμηνή. Ότι εκείνη την εποχή ήταν οι πιο χρησιμοποιούμενες εναλλακτικές για τη γραφή και για τη δημιουργία των χαρακτηριστικών έργων τέχνης της ζωγραφικής.
Δεδομένου ότι αυτός ο χαρακτήρας πρόσθεσε άμυλο που είχε την ιδιαιτερότητα να προστατεύει φυτικές ίνες, το χαρτί είναι ένα υλικό που χρησιμοποιείται πολύ καλά από τους καλλιτέχνες καθώς χρησιμοποιείται σε πολλές τεχνικές ζωγραφικής και οι πιο συνηθισμένες ήταν η ακουαρέλα, η τέμπερα, το παστέλ και το κινέζικο μελάνι και το διάφορα χρώματα αλλά το πιο χρησιμοποιημένο είναι το μαύρο και το σέπια.
Όσον αφορά το χαρτί, υπάρχει μεγάλη ποικιλία υφών, βαρών και χρωμάτων, που είναι ένα από τα πιο σημαντικά χαρακτηριστικά της ζωγραφικής, και για να επιλέξει ένα είδος χαρτιού είναι απαραίτητο ο καλλιτέχνης να έχει μια ιδέα για το τι θέλει να κάνετε μεταξύ των τύπων χαρτιού. βρείτε:
- Χαρτί Hot-Press: Έχει σκληρή, λεία επιφάνεια, πολλοί καλλιτέχνες το βρίσκουν πολύ ολισθηρό για ζωγραφική με ακουαρέλα.
- Χαρτί ψυχρής έκθλιψης: είναι ανάγλυφο, ημι-τραχύ, κατάλληλο για ευρείες και απαλές πλύσεις.
- Ακατέργαστο χαρτί: Με μια κοκκώδη επιφάνεια, όταν εφαρμόζεται ένα πλύσιμο προκύπτει ένα στίγματα από τις κοιλότητες του χαρτιού.
Επίσης κάθε καλλιτέχνης πρέπει να λαμβάνει υπόψη το βάρος του χαρτιού για να μπορεί να το επιλέξει, αφού ένα πολύ βαρύ χαρτί δεν μπορεί να αυλακωθεί τόσο εύκολα και πρέπει να τεντωθεί και για να εφαρμόσουμε την τεχνική της ακουαρέλας το γραμμάριο του χαρτιού πρέπει να είναι μεταξύ 120 γραμμαρίων τετράγωνο και με δημοπρασία τετράγωνο 850 γραμμαρίων.
Βούρτσες: είναι πολύ απαραίτητα εργαλεία ή όργανα για τον καλλιτέχνη, είναι επίσης πολύ σημαντικό στα χαρακτηριστικά της ζωγραφικής, αφού ο ζωγράφος τα χρησιμοποιεί με διαφορετικούς τρόπους στη δουλειά του για να πραγματοποιήσει το καλλιτεχνικό έργο.
Τα πινέλα, όντας ένα πολύ χρήσιμο εργαλείο για τους καλλιτέχνες, σχεδιάζονται σε διάφορα μεγέθη, πλάτη και την ποιότητα που χρειάζεται, αφού τα υλικά με τα οποία κατασκευάζονται τα πινέλα μπορεί να είναι οργανικά ή συνθετικά.
Η βούρτσα είναι δομημένη σε τρία μέρη και είναι το τρίχωμα, το φερούλι ή η βιόλα και ο μάγος για να μπορεί να το κρατήσει, διακρίνονται περισσότερο από το τρίχωμα και τον τρόπο κατασκευής τους, μερικά λέγονται flat ή cat's tongue brushes . Οι βούρτσες γίνονται επίσης συνήθως με σκληρά μαλλιά και αυτές που είναι στρογγυλές ταιριάζουν σχεδόν πάντα με ίσια μαλλιά.
Τα πινέλα επιλέγονται από τους διαφορετικούς καλλιτέχνες ανάλογα με τη δουλειά που σκοπεύουν να κάνουν και τον τρόπο που θα χρησιμοποιήσουν το χρώμα που έχουν. Εάν ο καλλιτέχνης πρόκειται να χρησιμοποιήσει μεγάλες επιφάνειες για να εκτελέσει το έργο, θα χρησιμοποιήσει πινέλα αντί για πινέλα.
Στα πινέλα έχουν σχεδόν πάντα ένα άδειο εσωτερικό για να μπορούν να μαζέψουν περισσότερη μπογιά τη στιγμή που κάνουν το χτύπημα, τα μικρότερα πινέλα δεν έχουν αυτό το κεντρικό κενό, υπάρχουν επίσης πινέλα που έχουν τρίχες και υπάρχουν βούρτσες που έχουν επίσης και αυτά είναι πάντα φυσικά βιολογικής προέλευσης και προέρχονται από διάφορα ζώα όπως άλογα, κουνάβια και χοίρους μεταξύ πολλών άλλων.
Τα χαρακτηριστικά βαφής κόμματος κατασκευάζονται επίσης από τεχνητές χαίτες, ένα συνθετικό υλικό. Η φροντίδα των βουρτσών είναι πολύ σημαντική για να μπορούν να παρατείνουν την ωφέλιμη ζωή τους, πρέπει να καθαρίζονται μετά τη χρήση τους εκτός από τον συνεχή καθαρισμό, ο καθαρισμός τους είναι εξαιρετικά εύκολος αφού δεν έχετε παρά να τους βάλετε σαπούνι και νερό.
Αφού τα πλύνετε, μπορούν να στεγνώσουν με υγρασία ή με φανέλα, στη συνέχεια πρέπει να φυλάσσονται σε οριζόντια θέση χωρίς να πιέζονται τα μαλλιά για να μην παραμορφωθούν. Μια άλλη χρήση που δίνεται στα πινέλα είναι ως το μέσο για να μπορείτε να εκτυπώσετε πίνακες ζωγραφικής με ρολό που είναι κατασκευασμένοι από διαφορετικά μεγέθη και υλικά.
Μεταξύ των υλικών είναι το μαλλί, ο αφρός ή το καουτσούκ από ίνες, τα φυσικά ή τεχνητά σφουγγάρια και τέλος, οι παλέτες, τα μαχαίρια και οι σπάτουλες ως μια ακόμη επιλογή στα χαρακτηριστικά της ζωγραφικής, καθώς είναι εργαλεία κατασκευασμένα από εξαιρετικά ελαφρύ και εύκαμπτο φύλλο μετάλλου ή πλαστικό που μπορεί να χρησιμοποιηθεί με διαφορετικούς τρόπους και χρώματα μπορούν να ενωθούν και να ζωγραφιστούν από τους πιο έμπειρους καλλιτέχνες.
Χρήματα: Στα διάφορα στηρίγματα που υπάρχουν, οι καλλιτέχνες συνηθίζουν να τροποποιούν τα φόντα πριν ξεκινήσουν το έργο τέχνης, είναι μια ποιότητα που έχει τα χαρακτηριστικά της ζωγραφικής. Πραγματοποιείται επεξεργασία με αστάρι αφού το φόντο είναι η επιφάνεια που ζωγραφίζει ο καλλιτέχνης με το χρώμα και την υφή που επιθυμεί να ξεκινήσει εκεί το έργο του.
Πριν, τα φόντα έφτιαχναν με βιολογικό λάδι ή κόλλα και μετά ανακατεύονταν με λευκό ή με χρωματιστό τόνο που άρεσε στον καλλιτέχνη που επρόκειτο να κάνει τη δουλειά. Αν και αυτό το συγκολλητικό μέσο ήταν οι ουρές διαφόρων ζώων και ψαριών.
Χρησιμοποιούνται επίσης γαλακτώματα με βάση το αυγό, το λάδι ή τη ρητίνη.Για να του δώσουν χρώμα παλαιότερα χρησιμοποιούσαν ασβέστη και ελαφρόπετρα, καθώς και ώχρα. Εξαρτάται από το υλικό που χρησιμοποιήθηκε, αυτό καθόριζε πώς θα φαινόταν το οπτικό αποτέλεσμα του έργου τέχνης. Επίσης το χρώμα του φόντου που χρησιμοποιήθηκε ως στήριγμα του έδωσε μια διαφορετική απόχρωση.
Για το λόγο αυτό, οι καλλιτέχνες αναζήτησαν ένα λευκό φόντο για να αντικατοπτρίζει τα διαφορετικά στρώματα του χρώματος που χρησιμοποιούσαν, αλλά αν το χρώμα του φόντου ήταν σκούρο, έτεινε να μειώνει την απόχρωση του χρώματος, καθιστώντας το πιο σκούρο.
Ο ιταλικής καταγωγής αρχιτέκτονας Giorgio Vasari δήλωσε μάλιστα ότι τα λιπαρά υπόβαθρα είχαν το πλεονέκτημα ότι διατηρούσαν την ευελιξία των καμβάδων, οι οποίοι ήταν κατασκευασμένοι σε μεγάλες διαστάσεις και μπορούσαν να τυλιχτούν για να μετακινηθούν σε διαφορετικά σημεία.
Αλλά το μειονέκτημα που είχαν ήταν ότι χρειαζόταν μεγαλύτερος χρόνος στεγνώματος. Μεταξύ του XNUMXου και του XNUMXου αιώνα, τα φόντο που χρησιμοποιήθηκαν περισσότερο ήταν αυτά που ήταν βαμμένα με κοκκινωπό χώμα, με αυτό ορισμένοι χώροι μπορούσαν να μείνουν άβαφοι αλλά το έργο απέκτησε απόλυτη ομοιομορφία. Προς το παρόν, τα κεφάλαια που παρασκευάζονται σε εμπορικές εταιρείες κατασκευάζονται βιομηχανικά με λευκό μόλυβδο και blotter.
Χρωστικές ουσίες: Οι χρωστικές ουσίες που αποτελούν πολύ θεμελιώδες χαρακτηριστικό της ζωγραφικής τείνουν να χωρίζονται σε ανόργανες και αυτό με τη σειρά της προέρχεται από ορυκτά, γη, άλατα και οξείδια και με αυτά επιτυγχάνονται τα χρώματα της ώχρας και της σιέννας. Χρησιμοποιούνται επίσης οργανικές χρωστικές ουσίες που προέρχονται από φυτά και ορισμένα ζώα που λαμβάνονται με το μαγείρεμα κάποιων σπόρων ή επειδή ορισμένα μέρη των ζώων είναι φρυγμένα.
Υπάρχουν και άλλα που λαμβάνονται με τη συνθετική οδό, όπως οι ανιλίνες και επίσης οργανικές ενώσεις. Οι οργανικές χρωστικές ουσίες είναι γενικά λιγότερο ασφαλείς από τις ανόργανες χρωστικές. Η χρωστική που χρησιμοποιείται μαζί με τα συνδετικά σχηματίζουν αυτό που ονομάζουμε χρώμα και το συνδετικό είναι αυτό που επιτρέπει στη χρωστική να είναι ρευστή και έτσι να επιτυγχάνεται πρόσφυση της επιφάνειας του χρώματος στο φόντο.
Αν και μερικές φορές μπορεί να γίνει νερουλό και μπορεί επίσης να είναι λιπαρό, όλα εξαρτώνται από τον τρόπο παρασκευής του, ο διαλύτης είναι ένας σημαντικός παράγοντας στα χαρακτηριστικά του χρώματος, καθώς έχει ως αποστολή να αραιώσει ή να διαλύσει τον τύπο του συνδετικού που χρησιμοποιείται για την παρασκευή του. . το παιχνίδι.
Χρησιμοποιείται επίσης ένα υγρό διαλύτη που ονομάζεται τερεβινθίνη, είναι ένας πολύ πτητικός και άχρωμος διαλύτης που αναμιγνύεται και αραιώνεται με το λάδι και με τη ρητίνη τείνει να διαλύεται, με τον ίδιο τρόπο που συμβαίνει και με το νερό αφού διαλύεται επίσης, στο ίδιο τρόπος χρήσης με λάστιχο που επίσης διαλύεται και μπορεί να αραιώσει περαιτέρω τα χαρακτηριστικά του χρώματος με αυτόν τον τρόπο.
Είναι απαραίτητο να γνωρίζουμε τους δείκτες αδιαφάνειας του χρώματος που πρόκειται να χρησιμοποιηθεί, αφού με τα χρόνια το φόντο του πίνακα και οι τύψεις του καλλιτέχνη κατά την εκτέλεση του έργου μπορούν να αποτυπωθούν καλύτερα.
Σε πίνακες που έγιναν πριν από τον XNUMXο αιώνα, τα σωματίδια των χρωστικών που χρησιμοποιήθηκαν μπορούν να παρατηρηθούν στο μικροσκόπιο και αυτό οδήγησε στο συμπέρασμα ότι όσο πιο χονδροειδείς είναι οι κόκκοι της χρωστικής, τόσο χαμηλότερη είναι η ποιότητα του χρώματος.
Τον δέκατο ένατο αιώνα, οι επιστήμονες άρχισαν να συνθέτουν χρωστικές ουσίες που χρησιμοποιούνταν ως χρωστικές, μεταξύ των οποίων ήταν το μπλε του κοβαλτίου, το κίτρινο ψευδάργυρο και το οξείδιο του χρωμίου ως οι πιο χρησιμοποιούμενες από τους καλλιτέχνες. Και στις μέρες μας ο αριθμός των χρωστικών έχει αυξηθεί πολύ γρήγορα, υπάρχει μεγάλη ποικιλία χρωμάτων και όλες οι χρωστικές έχουν εξαιρετική ποιότητα.
Εάν βρήκατε σημαντικό αυτό το άρθρο σχετικά με τα χαρακτηριστικά της βαφής, σας προσκαλώ να επισκεφτείτε τους παρακάτω συνδέσμους: